Hermosillo, Sonora a 7 de Enero de
2017.
Este trabajo resume
algunos puntos del capítulo 2.
Concepciones y versiones de la enseñanza de las Artes. Una manera de ver
también es una manera de no ver, de la obra de Elliot W. Eisner (EUA, 1933-2014), El arte y la
creación de la mente: el papel de las artes visuales en la transformación de la
conciencia. Barcelona; México: Paidós, 2004.
Preámbulo
En su escrito, Eisner
plantea que en las Artes, no existen concepciones únicas sobre los objetivos y
contenidos que se enseñan. Los especialistas de cada disciplina son los
responsables de su definición, pero deben tener en cuenta el destinatario de
esa enseñanza, en especial cuando los estudiantes son de otros campos
disciplinarios. Por lo general, las estrategias de enseñanza son mezcladas para
su aprovechamiento en el aula.
Elliot W. Eisner (1933-2014)
Enseñanza del arte basada en las disciplinas (EABD)
Se trata de una de
las concepciones más relevantes en el estudio de las artes plásticas. Fue
propuesta por Jerome Bruner (EUA, 1915-2016) dentro de sus estudios sobre el
currículo y la estructura de las disciplinas. Se le considera un enfoque
exhaustivo que aborda cómo se crea el arte, la apreciación de sus cualidades,
su ubicación histórica y cultural, y la ponderación de sus méritos estéticos.
Se encamina a la consecución de 4 objetivos: 1) que los alumnos desarrollen la
imaginación y adquieran aptitudes como ejecutares de un arte de calidad; 2) que
aprendan a observar estéticamente y poder explicar las cualidades del arte; que
comprendan el contexto histórico y cultural en que se lleva a cabo la obra de
arte; y 4) que comprendan, desde una perspectiva estética, los valores que
ofrece el arte.
Jerome Bruner (1915-2016)
Cultura Visual
Esta concepción
plantea el uso de las artes para fomentar una cultura visual en la enseñanza,
como una nueva manera de descodificar ideas y valores y una nueva mentalidad. Se
trata de una respuesta a la concentración del poder en el manejo de los medios
de comunicación y de los mensajes que en ellos se transmiten. Se propone que
las Artes sean estudiadas de manera crítica para comprender cómo los mensajes
transmitidos por los medios influyen en las personas, y cómo proteger sus
derechos de estos influjos.
De esta suerte, es
que se propone aprender a leer los mensajes visuales como textos en los que se
incorporan significados político-ideológicos al igual que comprender los valores
y condiciones de vida de una sociedad multicultural. Según F. Graeme Chalmers
(New Zealand), puede considerarse como un forma de etnología o antropología
cultural, que integre, además de las ideas de psicólogos acerca de los
hemisferios cerebrales, los valores culturales de la sociedad; propone que Arte
se estudie en su contexto social y cultural, considerando, de esta manera, los
impactos que el multiculturalismo, el posmodernismo y el feminismo han
provocado en la manera de leer las imágenes visuales en el mundo actual.
F. Graeme Chalmers
Resolución creativa de problemas
Surge en al campo
del diseño, teniendo como referente el programa educativo alemán de la Bauhus (Casa de la Construcción estatal. 1919-32)
que fue impulsado por arquitectos, diseñadores y artistas como
Walter Gropius, Lászlo Moholy Nagy y Wassily Kandinsky. El objetivo de esta
escuela era “abordar problemas de trascendencia social con métodos técnicamente
eficaces y estéticamente satisfactorios” mediante el uso de máquinas que
permitieran crear una estética limpia.
Este programa
académico buscaba que sus estudiantes encontrasen soluciones creativas a los
problemas, yendo más allá de las respuestas convencionales; además,
privilegiaba que la respuesta o producto diseñado tuviese calidad estética, cuidando
así forma y funcionalidad. Se educaba en el diseño industrial y arquitectónico
con la idea que el alumno aprendiese tareas concretas, el manejo de materiales
y métodos para la solución de problemas de interés social en sus diferentes
ámbitos. Creatividad, inventiva y solución sistemática de problemas fueron
temas centrales de esta formación, fomentando en los estudiantes una formación
de diseñadores comprometidos socialmente y capacitados intelectual, estética y
técnicamente.
Walter Gropius (1883-1969)
Expresión personal creativa
Este enfoque tiene
su origen en los trabajos del austriaco Viktor Lowenfeld y del británico
Herbert Read, los cuales estuvieron influidos por el contexto de la Segunda
Guerra Mundial. De allí, señalaban, que este conflicto iniciado por Alemania se
debió en buena medida a que el sistema educativo de este país había suprimido
el impulso natural del hombre a expresar su creatividad, colocando por encima
de ella prácticas agresivas y represivas que formaron a la juventud de ese
tiempo. Lowenfeld y Read proponen que las
Artes configuran un proceso emancipador del espíritu y la creación. Lowenfeld
considera que el arte brinda beneficios terapéuticos, pues la actividad
creativa ayuda a descargar tensiones, ayuda a desarrollar libertad y
flexibilidad en la solución de situaciones, y propicia el desarrollo y
crecimiento de la personalidad. Read agrega que el papel del enseñante es de
cuidador, guía, inspirador y partero psíquico, y es la educación artística un
medio para que se dé la autoexpresión del estudiante, algo que no se puede
enseñar.
Viktor Lowenfeld (1903-1960)
Teniendo como
referentes a Carl Jung y Sigmund Freud, Read opinaba, a partir del primero, que
el arte se capta, más que se enseña y aprende; siguiendo al segundo, Lowenfeld
planteaba que el arte corrige prácticas represivas de la enseñanza; en suma,
consideraban que el arte es un medio para el desarrollo del ser humano, bajo la
idea de que el impulso artístico reside en el inconsciente y que el maestro no
debe interferir en ese proceso natural sino ayudar a que florezca. A diferencia
de la educación de la Bauhaus centrada en la solución de problemas mediante la
actividad creativa, estos estudiosos de la educación fomentaron la actividad
creativa y la fantasía como experiencia personal de los niños (como un proceso
interno, más que determinado por los aspectos externos al estudiante).
Herbert Read (1893-1968)
La educación artística como preparación para el mundo
laboral
Se trata de un
enfoque pragmático con base en el campo laboral y el desarrollo de aptitudes y
actitudes que incrementen la competitividad profesional y productiva en el
mundo contemporáneo. El estudio de las Artes se considera un valor agregado a
la formación profesional, pues “desarrolla la iniciativa y la creatividad,
estimula la imaginación, fomenta el orgullo por la destreza, desarrolla la
capacidad de planificación y, en algunos campos artísticos, ayuda a los niños a
aprender a cooperar.”
Empleadores
consideran que junto a los beneficios de la formación convencional que ofrecen
la lectura, escritura y matemáticas, más que nunca es necesario que se
aprovechen los beneficios que brinda el estudio de las Artes en relación con
procesos cotidianos del mundo del trabajo como “la capacidad de asignar
recursos, de trabajar con éxito con otras personas, de encontrar, analizar y
comunicar información, de manejar sistemas cada vez más complejos con
componentes que no parecen guardar relación entre sí y, por último, de usar las
tecnologías.”
Las Artes y del desarrollo cognitivo
Este enfoque destaca
los efectos cognitivos del trabajo artístico en la enseñanza, en lo relativo
las percepciones complejas y sutiles que se desprenden de “observar sutilezas
entre relaciones cualitativas, concebir posibilidades imaginativas, interpretar
los significados metafóricos que muestran las obras, aprovechar oportunidades
imprevistas en el curso del propio trabajo”, entre otros aspectos. El filósofo
alemán Rudolf Arnheim (1904-2007) reflexionó que la percepción es una actividad
cognitiva que considera, además de la percepción sensorial, la memoria, el
pensamiento y el aprendizaje, la percepción visual la cual, a su vez, produce
un pensamiento visual, además del
lenguaje sobre lo visual.
Rudolf Arnheim (1904-2007)
También el psicólogo
alemán Ulric Neisser (1928-2012) consideraba que la percepción es un evento
cognitivo; por su parte el psicólogo suizo Jean Piaget (1896-1980) concluyó que
lo cognitivo y lo afectivo son procesos de pensamiento inseparables. El mismo
Eisner respalda estos argumentos señalando que “todas las formas de conciencia
son eventos cognitivos; es indudable que las artes, que se basan en actos de
diferenciación perceptiva, satisfacen este criterio cognitivo.” En otro contexto, el filósofo Nelson Goodman, al
analizar la relación de las Artes con el proceso de indagación del conocimiento,
advirtió que lejos de la concepción del arte como algo contemplativo, pasivo,
inmediatista e impoluto, se trata de una experiencia estética dinámica, que
reclama discernimiento, discriminaciones sutiles, identificación de sistemas
simbólicos, interpretación de la obra y reorganización del mundo en función de
esa obra y de la obra en relación con el mundo; considera que la actitud
estética es “inquieta, inquisitiva, comprobatoria; no es tanto una actitud como
una acción: la de crear y recrear.”
Ulric Neisser (1928-2012)
Concluye Eisner que
las actividades artísticas son adecuadas para fomentar el desarrollo cognitivo
en los términos señalados por las concepciones revisadas; lo que se requiere,
entonces, son programas educativos de gran calidad, cuyo currículo enfatice las
formas de cognición y comprensión que se desea desarrollar, de manera similar
al enfoque de la Bauhaus enfocado a la formación de diseñadores para abordar
problemas específicos de este tiempo y lugar. El uso de las Artes para mejorar
el rendimiento escolar. Esta concepción, vinculada al enfoque cognitivo,
propone mejorar el rendimiento escolar incluyendo la educación artística en las
escuelas, considerando entre los argumentos que se esgrimen: que existe una
relación directa entre la presencia de estos cursos y el desempeño escolar y el
efecto “Mozart” que relaciona la música clásica con el rendimiento escolar;
aunque el mismo Eisner reflexiona con escepticismo en cuanto la correlación de
estos aspectos.
Jean Piaget (1896-1980)
Artes integradas
Esta concepción
también propone la importancia de que el estudio de las Artes se sume al
estudio de otras experiencias curriculares. Se propone que el estudio de las
Artes integradas se organice en cuatro estructuras curriculares: A) para la
comprensión de un periodo histórico y cultural concreto; B) para ayudar a los
estudiantes a identificar similitudes y diferencias entre las distintas artes;
C) para explorar un tema o idea fundamental a partir de las obras de arte y los
trabajos de otros campos; y D) para la solución de problemas mediante varias
disciplinas, entre ellas las Artes.
Eisner reflexiona
que el convencimiento de la integración de las Artes en otros currículos varía
te tiempo en tiempo y de lugar en lugar; sin embargo destaca que lo importante
de lo revisado es que en cualquier campo de conocimiento es fundamental
comprender el contexto económico y político de la disciplina; en el mismo
sentido es importante comprender cómo otros campos de estudio, como las Artes,
pueden ser útiles en la comprensión y cognición de estas disciplinas. Concluye
que los objetivos disciplinarios dependen del contexto de la época al igual que
de los conceptos educativos y de la naturaleza humana que se tienen en la
didáctica; valorando todo esto con apertura, flexibilidad y congruencia para
aprovechar las distintas concepciones didácticas.
Algunos principios para guiar la práctica
En este apartado
Eisner ofrece su concepción acerca de la educación artística, considerando 5
principios: 1) Identificar lo que las Artes tienen de distintivo a fin de
justificar su presencia en otras disciplinas. El valor intrínseco de las artes
plásticas es que permiten ver –estéticamente- aspectos del mundo que no se ven
en otras disciplinas. 2) Los programas de educación artística deben promover el
desarrollo de la inteligencia artística (talento, capacidad intelectual para la
creación y percepción artística: la inteligencia humana adopta muchas formas,
sirviendo a fines sociales y culturales específicos). 3) Comprender el papel de
las Artes en la cultura, ayudando a crear y experimentar características estéticas
de las imágenes y comprender su función cultural. 4) Ayudar a reconocer lo
personal, distintivo y único del creador y sus obras. Destaca en ello cómo el
especialista en Artes es un observador de las sutilezas. 5) Enseñar a observar
el mundo y la vida cotidiana como una multiplicidad dinámica de formas de
experiencia estética.
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